Pauli Beutel – Stille Stadt

Vernissage, 10. Juli 2020 ab 19 Uhr

Ausstellung, 11. – 31. Juli 2020

Raum für drastische Maßnahmen goes west! Lesung, 19. Juli 2020 um 15 Uhr

Die Ausstellung „Stille Stadt“ widmet sich mit dem architektonischen Erbe der Berliner Wohnbauten der 60er und 70er Jahre.

Pauli Beutels Fotografien richten ihren Blick auf einzelne Gebäude, auf die architektonische Gestaltung und damit, wenn auch nur zu erahnen, auf den Inhalt und Zweck der Gebäude, das Wohnen. Der Fokus der Arbeit liegt auf der gebauten Umwelt der Stadtbewohner, sie selbst sind nur als Schatten und Spuren in den Bildern zu erahnen. Die Lebendigkeit des Stadtraums manifestiert sich als Bewegung in den Bildern und steht im Kontrast zur stillen, statischen Architektur. Das subjektive Empfinden von Architektur als Körper und dessen künstlerischer Umgang stehen im Mittelpunkt ihrer Arbeit. Fotografie und Wahrnehmung sowie die Veränderung von Wirklichkeit stehen der realen Frage nach unserem Lebensraum gegenüber.

Die Ausstellung fordert uns auf, uns auf die abgebildeten Orte einzulassen und über Ästhetik, Dominanz und Proportion, Lebendigkeit der Stadt und Beständigkeit der Architektur zu verhandeln.

Pauli Beutel lebt und arbeitet in Berlin und Münster.



opening, 10 July 2020, starts at 7 p.m.

exhibition, 11 – 31 July 2020

The exhibition “Stille Stadt” is dedicated to the architectural legacy of Berlin’s residential buildings of the 1960s and 1970s.

Pauli Beutel’s photographs focus on individual buildings, on the architectural design and thus, if only for a glimpse, on the content and purpose of the building, on living. The focus of the work is on the built environment of the citizens, they themselves can only be imagined as shadows and traces in the pictures. The liveliness of the urban space manifests itself as movement in the images and contrasts with the quiet, static architecture. The subjective perception of architecture as a body and its artistic handling are the focus of her work. Photography and perception as well as the change of reality contrasts with the real question about our living space.

The exhibition challenges us to get involved in the depicted places and to negotiate about aesthetics, dominance and proportion, vitality of the city and resistance of the architecture.

Pauli Beutel lives and works in Berlin and Münster.


www.paulibeutel.com

Fotos: Sedlar & Wolf

Raum für drastische Maßnahmen goes west! Lesung, 19. Juli 2020 um 15 Uhr(Treffpunkt ist in Schöneberg unter der Brücke, danach gehen wir gemeinsam in das Gebäude)

Pallasstrasse 3 – 29/ Treffpunkt unter der Brücke; 10781 Berlin
Anmeldung bitte bis zum 18. Juli 2020 an veranstaltungen@rpunkt.org

Begleitend zu der Ausstellung „Stille Stadt“ der Fotografin Pauli Beutel, lädt der Raum für drastische Maßnahmen zu einem Ausflug in den Berliner Westen ein. In Zusammenarbeit mit dem Stadtforscher Sebastian Bührig findet eine Lesung in einem von Pauli Beutel fotografierten Gebäuden statt.

Sebastian Bührig staunt über Städte. Das Neben-, Über-, Unter-, Gegen-, Mit- und Durcheinander der vielen verschiedenen Menschen in den Städten ist das zentrale Motiv seiner Arbeit. Beobachtend, beschreibend und bestaunend widmet er sich in Forschung und Lehre der Frage, wie die Stadtbewohner einander in Frieden fremd sein können, ohne es aber zu müssen. Dieses Staunen zu teilen und mitzuteilen ist das Ziel seines Strebens. 

www.buehrig.info

Fotos: Wolfgang Ranft

Der Raum für drastische Maßnahmen wird gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Europa.

Barbora Bemovičová – Home Topia Part 1

11.06.2020 – 21.06.2020

Opening Hours: Thursday 5 – 8pm, Saturday 2 – 5pm and during the exhibition through the gallery window

Home–Topia is an ongoing contemporary art research and exhibiting project, putting focus on the current forms of migration, rooting, unrooting and life in between cultures. Home–Topia is examining the notion of home, sense of belonging and its connection to the physical space.

Home–Topia is based on the assumption that various forms of mobility, migration and life on the move have become one of the basic characteristics of today’s world. Moving from place A to place B has become a regular part of our lives. Emigration, forced or chosen, across the national borders or from the countryside to the metropolis, has become an essential experience of our time. Among other things, this experience brings change in the perception of home and transformations of the own identity.

Since the realisation of the exhibition which was initially planned,
became difficult in the current situation, Barbora Demovičová invests the time at the moment to develop an online research platform.

This online platform includes the research trajectory, interviews, essays, bibliography and an archive of the project.

Part of the research and the development happens “live” in the R. – Raum für drastische Massnahmen and be acessible not only online but also in the physical space.

Der Raum für drastische Maßnahmen wird gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Europa.


Hannes Hoelzl – Two rooms. A stereophony.

Live Stream: Thursday 04. June, 8pm

Two rooms. A stereophony is a solo piece by composer/performer Hannes Hoelzl, custom tailored for the R. – Raum für drastische Maßnahmen and the streaming present.

Composed of six movements that alternatingly happen in one of the two rooms of the gallery, it pays homage to Alvin Lucier and the pioneers of stereophony. With the miracles of 60s audio tech, 90s computer music and 2020’s web tech, this live streamed audiovisual happening lets you experience what it feels like being acoustically immersed in two rooms at the same time.

Make sure to wear your favorite headphones!

Der Raum für drastische Maßnahmen wird gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Europa.

Julia Runge – Shebeen Queens

13. März 2020 Vernissage ab 19 Uhr

Wiedereröffnung: 14.05.2020 – 30.05.2020

Finissage: 30.05.2020 – 14 -22 Uhr

Öffnungszeiten: Donnerstag 17 – 20 Uhr; Samstag 14 – 17 Uhr


Die fotografische Arbeit „Shebeen Queens“ widmet sich dem soziokulturellem Phänomen der illegalen Barkultur des südlichen Afrikas und deren zumeist weiblichen Besitzerinnen – den sogenannten Shebeen Queens. Das Wort „Shebeen“ kommt vom irischen ’sibin‘ und bezeichnet eine Bar, in der alkoholische Getränke ohne Lizenz ausgeschenkt werden. Hervorgebracht durch Kolonialpolitik und Apartheid dienten diese Orte zunächst der aus dem öffentlichen Raum zurückgedrängten indigenen Bevölkerung als Zuflucht. Aus den Wohnzimmern der Townships heraus verbreiteten sie sich und wuchsen im Schatten der Illegalität zu kommerziellen Bars und Orten der Subkultur heran.

Die Serie „Shebeen Queens“ stellt dabei die starken Frauen hinter diesen Lokalen in den Fokus, die in den Townships von Südafrika und Namibia zu den Shebeen Queens geworden sind – selbstbestimmte Entrepreneurinnen, die in einer weitestgehend patriarchal geprägten Gesellschaft als wichtige Stützen der Gemeinschaft fungieren. Entgegen gängiger Stereotype, wonach die Shebeens nur zwielichtige Pubs seien, in denen die Armen ihren kargen Lohn vertrinken und Kriminalität an der Tagesordnung ist, zeigt die Arbeit eine ganz andere Seite auf: Es sind dies nicht zuletzt auch Orte, an denen Frauen sich schwierigster Bedingungen zum Trotz ein eigenes Geschäft aufbauen und somit ihre Familien versorgen.

In den Fotos taucht Julia Runge in die Lebenswelt dieser Orte ein – sucht dabei aber nicht die rauschhaften Momente im Gewirr des Nachtlebens, sondern erzählt viel mehr aus der Sicht des Beobachters analog und entschleunigt, leise und vertraulich von diesen Orten und ihren Besitzerinnen – und ermöglicht dadurch eine neue Perspektive auf zeitgenössische Phänomene innerhalb der dortigen Gesellschaft, auch und gerade in einer Zeit, in der Deutschland seine Kolonialvergangenheit noch einmal aufs Neue aufarbeitet.

Die Ausstellung „Shebeen Queens“ soll multikünstlerisch und multikulturell aufgebaut werden und dabei insbesondere auch die namibische Gemeinschaft einbeziehen. Konkret heißt dies, dass u. a. singende, musizierende, schreibende und mitdiskutierende Namibierinnen und Namibier, die in Berlin und Brandenburg leben, mitwirken werden.

www.juliarunge.com

Julia Runge
Shebeen Queens

13. March 2020 Opening from 7 pm

reopening: 14. May – 30. May 2020

opening hours: thursday 5 – 8 pm; Saturday 2 – 5 pm



The work „Shebeen Queens“ is dedicated to the bar culture of Namibia and its predominantly female owners – the Shebeen Queens. The word „shebeen“ comes from the Irish “síbín” and connotes a bar where alcoholic drinks are served without a license. In response to colonial politics and apartheid, these places initially served as a refuge for indigenous people, who were persecuted in the public sphere. These bars, which first started in township living rooms, spread and grew in the shadow of illegality to become commercial bars and subcultural hubs.

The project „Shebeen Queens” focuses on the female entrepreneurs who have been able to assert themselves as strong, emancipated women, who act as important pillars of the community in a largely patriarchal society.

Today, the image of the shebeens remain an ambivalent figure for a wide-range of social manifestations. While shebeens are places of emancipation and subculture, their environments also channel alcoholism and crime. But these are also places where women, despite the most difficult conditions, are able to set up their own businesses and provide for their families.

In her photos, Julia Runge immerse herself in the world of these places and – from the viewpoint of an observer – tells analogous and decelerated, quite and confidential stories about these places and their owners. In pursuing this project, she hopes to enable a new way of seeing the contemporary experiences of shebeen culture and phenomena within the local society, particularly in light of Germany’s renewed effort to examine its colonial past.

The exhibition „Shebeen Queens“ is to be structured in a multicultural and multi-artistic way and in particular involve the Namibian community. In concrete terms, this means that Namibians living in Berlin and Brandenburg who sing, make music and write will be involved.

Fotos: Sedlar & Wolff


Das Buch zur aktuellen Ausstellung „Shebeen Queens“ von Julia Runge ist im Palmato Verlag erschienen und kann dort käuflich erworben werden.

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Der Raum für drastische Maßnahmen wird gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Europa.


Let’s talk about Bild Vol. 2

09.02. – 22.02.2020
Vernissage, 8. Februar 2020 ab 19 Uhr

Öffnungszeiten:
Sonntag 9. Februar 11 – 14 Uhr , die Künstler sind anwesend
Donnerstags 13. und 20. Februar 17 – 20 Uhr
Samstag 15. und 22. Februar 14 – 17 Uhr

Vortrag von Dr. Wolfgang Ranft „Spaß beiseite – Witz und Humor in Kunst und Wissenschaft“
Donnerstag, 13. Februar 20 Uhr

Das Arbeiten am Typus Bild, das Hinterfragen dessen, was ein Bild ausmacht, was es sein kann oder auch leisten soll, beschäftigt das Künstlerduo fructuoso/wipf (Rubén Fructuoso, 1987 & Beat Wipf, 1982) seit dem Beginn ihrer Zusammenarbeit. Ihr „Bilderdenken“ schöpft aus den unterschiedlichsten Quellen und versucht wenig, bis nichts auszuschliessen. Alles war schon da. Was neu geschaffen wird, ist mehr ein Verwerten, neu Zusammensetzen oder Interpretieren denn ein „Erfinden“ im klassischen Sinn. Bei fructuoso/wipf trifft der Alltag auf den Kult, die klassische Malerei auf das Fertigmöbel oder das Abgeschmackte auf die Schönheit.

Das Duo interessiert sich für den Moment, kurz bevor ein Werk wirklich zum Werk wird. Diesen Moment entstehen zu lassen und vielleicht gar manchmal in einem Ausstellungsstück konservieren zu können, ist jeweils ihr Antrieb.

„fructuoso/wipf mögen keine Endprodukte, sie glauben nicht an einen vorgestanzten Bausatz der Welt. Sie bevorzugen den Kalauer, den Schüttelbecher, die Lumpenlieder des Mittelalters, die indischen Tempelfarben, die Fasnachtsmasken, die Mysterienspiele. Unübersehbar fährt der anarchische Brunzstrahl der Volkskultur durch das Werk der beiden Kunstmacher und nässt Konventionen von Form und Gebaren.“
Mario Lüscher, Schweizerisches Institut für Kunstwissenschaft

Beat Wipf, *1982 in Wildensbuch
Studium Bildende Kunst an der HSLU, Mitglied des Kollektivs Antipro
Rubén Fructuoso, *1987 in Schaffhausen
Studium Kunst & Medien an der ZHdK
Seit 2012 in Neuhausen a. Rhf und Winterthur als künstlerisches Duo tätig.

www.fructuosowipf.com

Let’s talk about Bild Vol. 2

Working on the genus of Image, the questioning of what makes an Image, what it can or even what it should be, has kept the artist duo fructuoso/wipf (Rubén Fructuoso, 1987 & Beat Wipf,1982) occupied since the very beginning of their collaboration. Their way of thinking about image draws on a manifold of sources and tries to exclude close to nothing. Everything has already been. Whatever is ’new‘ is rather a recycling, analternative compositionor a new interpretation than a novel invention.

In fructuoso/wipf’s work the mundane meets the cult, classical painting clashes with the fixture, the tasteless is paired with the beautiful.The duo is interested in the moment just before a work becomes a ‚piece‘. To generate this moment and possibly even conserve it in an exhibition piece is what drives them.

„fructuoso/wipf don’t like a final product, they don’t believe in the world as a precut construction kit.Their preference goes to the corny joke, the shaker, a bawdy song from the middle ages, to Indian temple colours, the carnival mask, to mystery games. Folk culture’s anarchic stream of piss conspicuously sloshes through the work of the two artists and douses all conventions of form and conduct.“ (transl.) Mario Lüscher, Schweizerisches Institut für Kunstwissenschaft

„sky is the limit“

Fotos: Sedlar & Wolf / Fructuoso & Wipf / Ana Baumgart

Der Raum für drastische Maßnahmen wird gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Europa.


Kunstversteigerung am 14.12.2019
Besichtigung ab 18 Uhr
Versteigerung ab 20 Uhr

Immer wieder im Dezember veranstaltet der Raum für drastische Maßnahmen eine Kunstversteigerung.
Hier können Gemälde, Fotografien, Drucke, Skulpturen und vieles mehr, von diversen Künstler*innen ersteigert werden. Alle Erlöse fliessen an die Künstler*innen und in die Erhaltung des Raums.

Teilnehmende Künstler*innen:

Anaïs Edely, Andy Kania, Anthony Burill, Anne Louise Blicher, Achim Stiermann, Beatrix Landsbek, Chrisse Kunst, Daan Botlek, Dilan Capan, Emmanuelle Wilhelm, Fabian Hub, Finja Sander, Florian Hesselbarth, Isabella Bram, Jean-Baptiste Monnin, Joris Hunold, Karmen Kraft, Kennet Lekko, Koosha Moossavi, Lisa Ballmann, Lisa Braun, Ludger Naekel, Nikolas Claussen, Nora Frohmann, Oscar Angel Rey Soto, Pauli Beutel, Regina Kelaita, Renke Brandt, Shooresh Fezoni, Sven Lindhorst-Emme, Tobias Kappel, Wilfrid Grössel, Wolf-Roberto Schimpf, Wolfgang Ranft, Yannick Riemer…

Achim Stiermann – Underground Föning

Vernissage: 29. November ab 19 Uhr
Ausstellungsdauer: 30. November – 8. Dezember

Der Anlass für die Ausstellung Underground Föning ist das Loch im Boden des Raums für drastische Maßnahmen. Als Auslass für durch die Luft geblasene Kunststoffkugeln verbindet es den Keller mit der Bar im Ablauf der dafür konzipierten Installation. Dazu sind Achim Stiermanns kinetische Halmkonstruktionen zu sehen. Die bewegten Plastikplastiken stellen weitere Kreisläufe dar.

Orbit(2018/19) lässt Tischtennisbälle durch den Raum schweben. Mercedes (2014/15) hat vier Räder und fährt damit einen dreistrahligen Stern um die Kurve. Die Leichte Schwerkraftmaschine (2009/10) wird erstmals in Berlin präsentiert und zeigt die Anfänge der Tischtennisballanimation.

Stiermanns plastische zeitbasierte Bildwerke und Maschinen sind aufgrund ihrer komplexen Fragilität und ihrem geringen Materialwert nahezu kunstmarktunkompartibel und treten dadurch in einen erfrischenden Kontrast zur üblichen Galerien- und Museumsware. Durch das geplante Einwegplastikverbot und das damit einhergehende Halmaus sieht er sich zudem mit Zensur durch die EU konfrontiert. Underground Föning ist daher vielleicht die letzte Chance, sie noch einmal zu sehen.

Achim Stiermann (*1975) studierte an der Kunstakademie Wien und an der Ecole régionale des beaux-arts de Nantes. Seit 2011 lebt er in Berlin.

Öffnungszeiten:
Sa 30/11 16-19h
So 1/12 16-19h
Mo 2/12 17-20h
Di 3/12 17-20h
Mi 4/12 17-20h
Do 5/12 zu
Fr 6/12 17-20h
Sa 7/12 15-19h – Workshop
So 8/12 16-19h

Workshopangebot:
Trinkhalmbau, Samstag den 7. Dezember von 15 – 19 Uhr, Anmeldung unter: mail@rpunkt.org

Bau von dreidimensionalen Objekten aus Trinkhalmen mit Knick.
Altersgruppe: ab 12 Jahren, auch für Erwachsene
max. 8 Personen
Dauer: 4 Stunden
bitte mitbringen: Schere, spitz zulaufend, gut schneidend, keine Kinderscheren
Unkostenbeitrag: 8€

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METAMORPHOSIS

Group show by KNOT artists collective

Opening: 8. November 2019 from 7 pm

Opening hours: Wed till Sun 4 – 7 pm

The exhibition will continue till 17. November 2019

“Metamorphosis is the result of a journey into unexplored horizons in which artists from all over the world have decided to leave their individual comfort zone for a joint adventure. Without a doubt, a passionate journey, which as happened to Ulises and his companions on their return to Ithaca, has allowed them to plough through the deep emotional seas of these 16 artists with the aim of showing, sharing, empowering and finally transforming the already known artistic languages of their works by other plastic expressions in which the concept of group acquires another, more powerful meaning with a form of identity of its own.
Metamorphosis is therefore the fruit of a unique and enriching experience that has allowed, on the one hand, to grow and evolve the individual work of 16 artists and on the other hand, to consider and reflect art as a universal language, as a form of expression that is globalized, supportive and free in which there are no borders and in which being, understood as a group, here, becomes a whole”
KNOT is an international group formed by about 18 artists focused on painting, photography, graphic art, sculpture etc but without ruling out other forms of expression.
For each exhibition we choose a theme to.
For our first exhibition in Berlin we have chosen, Metamorphosis.

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TRACED PROMENADE

Antonia Nannt

Lena – Elise Aicher

Lisa Braun

Vernissage: 18.10.2019 ab 18 Uhr
Ausstellunsdauer: 19.10. – 27.10.2019
Besichtigungstermine nach Vereinbarung

Traced Promenade ist ein handgefertigter Handlauf, der horizontal den Ausstellungsraum durchschneidet. Auf der Höhe der Hand sind künstlerische Arbeiten der drei KünstlerInnen angebracht, ihnen folgend leiten sie einen durch den Raum. Den Blick nach unten gesenkt folgt man dem rund geformten Holz auf der Höhe von 105 cm, griffsicher und handwarm lädt es zur Berührung ein.

Den Raum durchlaufend werden Spuren der einzelnen künstlerischen Postionen sichtbar.

-Tabea Marschall

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COLLIDING HUMANS Social Interaction on the Internet

Künstler*innen: Jonas Blume, Manja Ebert, Aron Lesnik, Lauren Moffatt

Kuratiert von Tina Sauerländer und Peggy Schoenegge (peer to space)

Organisiert vom medienkunst e.V. – Verein für zeitgenössische Kunst mit neuen Medien

Eröffnung: 27. September 2019, 19 Uhr

Ausstellungszeitraum: 28. September bis 6. Oktober 2019, 15 bis 19 Uhr

Artist Talk: 2. Oktober 2019, 19 Uhr / Mit der Kuratorin Peggy Schoenegge und den Künstler*innen Jonas Blume, Manja Ebert und Aron Lesnik.


Raum für drastische Maßnahmen, Oderstraße 34, 10247 Berlin

„Gute Beziehungen machen uns glücklicher und gesünder.“ Das ist das Ergebnis zweier Harvard-Studien, die 75 Jahre lang mit über 600 Probanden erforscht haben, was Menschen wirklich glücklich macht. Was passiert nun mit unseren Beziehungen, wenn wir uns größtenteils über das Internet verständigen?

Online-Kommunikation überbrückt physische Distanzen und verbindet uns miteinander. Problemlos schicken wir Nachrichten über Kontinente hinweg und erhalten sekundenschnell eine Antwort. Jedoch fehlt das physische Gegenüber. Körper, Mimik und Gestik des Anderen sind nicht mehr Teil des zwischenmenschlichen Austauschs. Wir sind mit dem Screen allein, während wir sozial interagieren. Wie ein Spiegel wirft uns der Bildschirm auf uns selbst zurück. Nur die eigene Weltsicht befindet sich mit uns im Raum, während die der anderen aus dem Blickfeld geraten. Diese einseitige Wahrnehmung kann zu Empathieverlust und schließlich zu respektlosen, hasserfüllten Kommentaren führen. Sobald wir selbst persönliche Informationen im Internet veröffentlichen, sind wir der Bewertung durch andere ausgesetzt, können aber umgekehrt auch selbst kommentieren.  

Die in der Ausstellung versammelten Arbeiten beschäftigen sie mit verschiedenen Formen sozialer Interaktion im Internet. Nutzer*innen streamen sich selbst schlafend und lassen sich dabei von anderen liken. Avatare in Videospielen setzen sich der Gewalt von Mitspielern im virtuellen Raum aus. Hassredner flüchten sich in Isolation und lassen ihrem Frust online freien Lauf. Andere schaffen sich eine Welt mit eigens dafür kreierten Avataren.

In der Arbeit Rhythm Zero Los Santos legt der Künstler Jonas Blume das Schicksal seines Avatars in die Hände seiner digitalen Kontrahent*innen im Onlinespiel Grand Theft Auto. Die von realen Mitspieler*innen gesteuerten Avatare malträtieren jenen mit diversen Requisiten wie Golfschlägern, Messern, Brecheisen und Pistolen. Der virtuelle Raum wird hier zu einem gefährlichen Ort, der alle dazu verdammt, eine aktive Rolle einzunehmen um zu überleben.

Die Künstlerin Manja Ebert widmet sich in ihrer Arbeit sleepingsquad einer Sektion auf dem Onlineportal younow.com, auf dem sich die Nutzer*innen beim Schlafen live streamen. Mit dieser intimen Form der Selbstdarstellung setzen sie sich bewusst der Situation aus, im Schlaf schutzlos den Reaktionen der Anderen ausgeliefert zu sein. Die Zuschauer*innen können kommentieren, liken und Geld für die Schlafenden spenden. 

Der Künstler Aron Lesnik begibt sich in die Rolle eines misogynen Hassredners, der alleine in seiner Wohnung herum streift. Die Arbeit ISOLATION versinnbildlicht das Gefangensein in der eigenen Welt und die Unfähigkeit Beziehungen mit anderen Menschen, besonders mit Frauen, eingehen zu können. Die Distanz zu Anderen mündet in Hasskommentare, die online gepostet und in entsprechenden Communities geteilt werden.

Lauren Moffatt untersucht die Online-Community der Tulpamancer, von der sie selbst ein Teil ist. Tulpamancer kreieren Avatare, sogenannte Tulpas, und geben ihnen eine eigene, virtuelle Gestalt und Identität auf sozialen Plattformen. Ähnlich wie mit imaginären Freunden pflegen sie Beziehungen mit ihnen. Sie glauben, dass die Tulpas ein eigenes Bewusstsein haben und nicht vollständig von ihrem Host gesteuert werden können. In ihnen kommt der Wunsch der Tulpamancer nach einem emphatischen Gefährten zum Ausdruck.

Die ausgestellten Arbeiten geben Einblick in unser Verhalten im Internet. Wir scheuen uns nicht, intimste Momente zu teilen oder gewaltsam gegen Avatare der Mitspieler*innen vorzugehen. Wir isolieren uns und agieren in Online-Communities. Die neuen Kommunikationsmöglichkeiten verändern unser soziales, moralisches sowie ethisches Handeln und unser Miteinander. Die großangelegten Harvard-Studien sehen die Voraussetzungen für Glück und Gesundheit in guten Beziehungen. Es liegt an uns herausfinden, welche Kommunikations- und Beziehungsformen uns im digitalen Zeitalter zum Glücklichsein verhelfen. In unserem eigenen emotionalen Wohlbefinden liegt auch der Schlüssel für die Fähigkeit zu einem empathischen Miteinander.

Credits.

Jonas Blume, Rhythm Zero Los Santos, 2019, video still © the artist
Aron Lesnik, ISOLATION, 2018, screenshot of video © the artist
Manja Ebert, sleepingsquad, 2016, video sculpture © the artist
Lauren Moffatt, The Tulpamancer, 2019, immersive video installation (detail) © the artist