Kollektives Collagen kleben.

Sonntag 12. Juli 2026 ab 15 Uhr

Material und Werkzeuge werden bereitgestellt.

15 R.

15 Jahre Raum für drastische Maßnahmen.

18. Juli 2026 ab 15 Uhr

Liebe Leute,
wir feiern unser Jubiläum mit einem famosen Fest für alle Freundinnen, Mitglieder, Supporter, Nachbarn, Feinde und Interessierte!
Start ist um 15 Uhr. Dazu gibts kalte Drinks, Würstchen und Käse vom Grill, DJ- Sets, Video und ein bisschen Kunst: Das installative Sammelsurium „Leftovers“ blickt zurück auf über 250 Ausstellungen und Aktionen und deren Spuren und Hinterlassenschaften.
Dazu könnt ihr euch an einer Printstation unser Logo auf jegliche Textilien drucken lassen.

Wir freuen uns sehr auf Euch!

ENG

July 18th 2026 – 3 p.m.

Dear people,
we are proudly celebrating our anniversary with a fest for all friends, members, supporters, neighbours, fiends and anyone interested! The event starts at 3 p.m. There will be cold drinks, BBQ, DJ sets, video and some more art: The collective installation ‘Leftovers’ looks back on roughly
250 exhibitions, performances and events, and their traces and legacies they have left behind.
You can also have our logo printed onto any textiles at a printing station.

Hope to see you all here!

ESP

18 de julio de 2026 – 3pm

Queridos amigos, amigas, amigues, ¡Este año estaremos celebrando nuestro 15. aniversario
con una fiesta para todos nuestros amigos, amigas, amigues, socios, colaboradores, seguidores, vecinos, enemigos y personas interesadas! La celebración empieza a las 3pm el 18 de julio del 2026.
Habrá bebidas frías, salchichas y queso a la parrilla, sesiones de DJ, videos y claro, un poco de arte también: la instalación «Leftovers» hará un recuento de las „huellas“ que han dejado a lo largo de los años las más de 250 exposiciones, acciones y eventos que han tenido lugar en el Raum. Tendremos además una estación de estampado en la que podrán llevarse nuestro logotipo impreso en cualquier prenda textil o bien apoyarnos con la compra de una camiseta.

¡Les esperamos!

attaque(e)r le visible präsentiert:

Barbara Hammer – Pleasure of Discovery

30. Juni 2026, Einlass 19:30 Uhr / Projektion 20:00 Uhr

Das Programm Pleasure of Discovery widmet sich Filmen von Barbara Hammer, wobei der Schwerpunkt auf den 1980er-Jahren liegt. Während ihre frühen Arbeiten aus den 1970er-Jahren, wie sie selbst betont, dem sozialen Realismus verpflichtet sind und, wie Natascha Frankenberg es beschreibt, aus einer Perspektive der Beteiligung* entstanden sind,„“ werden ihre Filme in den 1980er-Jahren deutlich abstrakter. Hier rückt das Interesse am filmischen Material und an der Form in den Vordergrund. Ihre Arbeiten dieser Phase sind geprägt von fragmentarischen Bildern, Überlagerungen und einem spielerischen Umgang mit Licht, Farbe und Textur. Hammers zentrales Anliegen bleibt jedoch bestehen: die Darstellung lesbischer Begehren. Sie erkundet, wie nicht-normative Sexualitäten und Identitäten durch abstrakte, poetische und ungekannte Bildsprachen sichtbar gemacht werden können. Ihre Filme aus dieser Zeit sind somit nicht nur formale Experimente, sondern auch queer-politische Interventionen.

*Frankenberg, Natascha: Queere Zeitlichkeiten in dokumentarischen Filmen, Bielefeld 2021, S. 205.

Gästin: Natascha Frankenberg

Nach der Projektion gibt es ein Gespräch mit Natascha Frankenberg, Medienswissenschaftlerin, Kuratorin und Expertin für Queeres Kino. Sprache: Deutsch

Programm:

DVital Signs, 1991, 16 mm (digitalisiert), Ton, 10 Min.

Arequipa, 1981, 16 mm (digitalisiert), o. Ton, 12 Min.

Double Strength, 1978, 16 mm, Ton, 16 Min.

Sync Touch, 1981, 16 mm, Ton, 12 Min.

Place Mattes, 1987, 16 mm, o. Ton, 8 Min.

Bild: Barbara Hammer, Place Mattes, 1987, 16mm, 8 mins, Standbild
© All rights reserved by the artist / Courtesy of Light Cone

attaque[e]r le visible presents

Barbara Hammer – Pleasure of Discovery

June 30th 2026, doors open 7:30 p.m. / start 8 p.m.

The Pleasure of Discovery film programme is dedicated to the films of Barbara Hammer, with a particular focus on those from the 1980s. While her early 1970s works are committed to social realism and emerged from a perspective of“ participation, as Natascha Frankenberg describes, her films from the 1980s become significantly more abstract. The” focus here shifts to an interest in cinematic material and form. This phase is characterised by fragmentary images, superimpositions, and a playful approach to light, colour, and texture. However, Hammers central concern remains the’ same: the depiction of lesbian desire. She explores how non-normative sexualities and identities can be made visible through abstract, poetic and unfamiliar visual languages. Thus, her films from this period are not only formal experiments, but also queer-political interventions.

*Frankenberg, Natascha: Queere Zeitlichkeiten in dokumentarischen Filmen, Bielefeld 2021, p. 205.

Guest: Natascha Frankenberg

After the screening, there will be a discussion with Natascha Frankenberg, a media studies scolar, curator and specialist in queer cinema. Language: German

Programme

Vital Signs, 1991, 16 mm (digitised), sound, 10 mins

Arequipa 1981, 16 mm (digitised), without sound, 12 mins

Double Strength, 1978, 16 mm, sound, 16 mins

Sync Touch, 1981, 16 mm, sound, 12 mins

Place Mattes, 1987, 16mm, without sound, 8 mins

EINTRITT / ENTRY:
Donation

Agnus Dulcis

Marie Lynn Speckert

Freitag 19. Juni 2026 19 – 21 Uhr & Samstag 20. Juni 2026 14 – 18 Uhr

agnus = Lamm
dulcis = süß, sanft, angenehm

Die Aktion Agnus Dulcis beschäftigt sich mit der historischen und symbolischen Dualität von Marzipan – einer Substanz zwischen Medizin, Nahrung und Skulptur. Zwischen dem 16. und 18. Jahrhundert galt Marzipan als heilendes Konfekt, dem man die Kraft zuschrieb, Körper und Geist zu reinigen. Das Publikum ist eingeladen, die Werke von Marie Lynn Speckert zu berühren – und von ihnen zu kosten.

Agnus Dulcis thematisiert die Ambivalenz zwischen Heilung und Zersetzung, Reinheit und Verfall. Es reflektiert die Beziehung zwischen Mensch, Tier und Materie – und verweist auf die Mechanismen der Fleischindustrie, in der Körper zu Objekten ökonomischer und symbolischer Verwertung werden.

Das Werk ist ein leiser Akt des Widerstands gegen die Entfremdung des Körpers – eine Einladung, Verletzlichkeit und Konsum als miteinander verwobene Formen des Glaubens zu begreifen.

Agnus Dulcis

Marie Lynn Speckert

Friday June 19th 2026, 7 – 9 p.m. & Saturday June 20th 2026 2 – 6 p.m.

agnus = lamb
dulcis = sweet, gentle, pleasant

The Agnus Dulcis project explores the historical and symbolic duality of marzipan – a substance that straddles the worlds of medicine, food and sculpture. Between the 16th and 18th centuries, marzipan was regarded as a healing confection, believed to have the power to purify both body and mind. The public is invited to touch Marie Lynn Speckert’s works – and to taste them.

Agnus Dulcis explores the ambivalence between healing and decay, purity and decay. It reflects on the relationship between humans, animals and matter – and draws attention to the mechanisms of the meat industry, in which bodies become objects of economic and symbolic exploitation.

The work is a quiet act of resistance against the alienation of the body – an invitation to understand vulnerability and consumption as interwoven forms of belief.

Website

Instagram

Queer Underground – The Monster can speak

Melo Börner

Eröffnung: 6. Juni 2026 ab 19 Uhr
mit Special Bar und Drink, Auto-Karaoke und Live-Act
Ausstellung: 7. – 13. Juni 2026
Öffnungszeiten: Donnerstag & Samstag 17 – 20 Uhr und auf Anfrage

Die Frage „Can the monster speak?“ stellte Paul B. Preciado 3500 Psychoanalytikerinnen in einem Vortrag an der Pariser École de la Cause freudienne im November 2019. Darin thematisiert er die ideologischen Käfige der Psychoanalyse, die in einem binären sexuellen und kolonialen Regime gefangen ist. Er fragt außerdem nach analytischen Praktiken und Wissensordnungen, die vielfältigen Lebensformen gerecht werden können.

Mit der Ausstellung Queer Underground – The Monster can speak begibt sich Melo Börner auf die Suche nach Antworten auf eben diese Frage. Über drei Räume öffnet sie mind, body und soul ihrer Kunst und analysiert die Potentiale eines fiktiven queeren Undergrounds als ermächtigendes Refugium der Verletzlichen und Verwirrten, Abgelehnten, Außenseiterinnen und Aliens.

Queer Underground – The Monster can speak

Melo Börner

Opening: June 6th 2026 starts 7p.m.
with special drinks, auto – karaoke & live – act

Exhibition:: June 7 – 13th 2026
Opening hours: Thursday & Saturday 5 – 8 p.m. and by appointment

Paul B. Preciado posed the question “Can the monster speak?” to 3,500 psychoanalysts in a lecture at the École de la Cause freudienne in Paris in November 2019. In it, he addresses the ideological cages of psychoanalysis, which is trapped in a binary sexual and colonial regime.
He also explores analytical practices and orders of knowledge that can do justice to diverse forms of life.

With the exhibition Queer Underground – The Monster Can Speak, Melo Börner sets out to find answers to precisely this question. Across three rooms, she opens up the mind, body, and soul of her art and explores the potential of a fictional queer underground as an empowering refuge for the vulnerable and confused, the rejected, outsiders and aliens.

+ONE
Performances zum Project Space Festival 2026

10. Juni 2026 – 17 bis 22 Uhr

Running Order

Mit PLUS ONE lädt Melo Börner vier Performance Künstlerinnen für das Project Space Festival ein, die wiederum vier Performance Künstlerinnen eingeladen haben. Das Publikum erwartet im Raum für drastische Maßnahmen ein offenes, experimentelles und stetig wachsendes Abendprogramm. Die Performances finden ihren Ausgangspunkt in der Ausstellungsumgebung, die sich queerer
Existenz und Ästhetiken des Punk widmet.

Dort aktivieren sie jeweils ihre eigenen Geschichten: Mit Hang zum Drama bewegt sich Elena Louise Bastert Feuerhake zwischen Video, Sound und Kostüm. Laura Dee Milnes kreiert kurze, pointierte und skurrile DIY-Performances. Caroline Beach schafft Performances, die nicht an der Schnittstelle von irgendetwas stehen, sondern darauf abzielen, die Schaffung von Bedeutung durch den Körper und in Zusammenarbeit mit ihm zu praktizieren. Jannis Weu und tender tantrum beschwören ein liminales Wesen, das anzügliche, unverständliche Gedichte murmelt, sich in widersprüchlichen Posen windet und über Ränder von Sprache und Körper gleitet. Ausgehend von alltäglichen Beobachtungen untersuchen Jeiryung Lee und Chi-Hsuan Lo in ihren jeweiligen Ausdrucksformen, Text und Sound, das Gefühl des „Andersseins“ und was es bedeutet, nicht dazuzugehören.

Im Verlauf des Abends entsteht aus und zwischen den Performances ein vielschichtig vernetztes Bild kollektiver und widerständiger Praxis.

Von und mit: Caroline Beach, Faye Bowker, Melo Börner, Sini Falte, Elena Louise Bastert Feuerhake, Jeiryung Lee, Chi-Hsuan Lo, Laura Dee Milnes, Nico Sauer, Wesley Schachenmayr, tender tantrum und Jannis Weu.

Projektkoordination: Melo Börner und Hanna Steinert.

Das Project Space Festival ist ein gemeinsames Programm von 30 selbstorganisierten Räumen. Das
Festival bietet in einer dreißig tägigen Veranstaltungsreihe Einblicke in aktuelle künstlerische
Entwicklungen in Berlin. Eine Auswahl der spannendsten Projekträume der Stadt wird jeweils einen
Tag des Festivals ausrichten. Die Besucher*innen sind eingeladen, an einem täglich wechselnden
Programm an verschiedenen Orten in der Stadt teilzunehmen, an denen Ausstellungen und
Performances stattfinden.

Das Project Space Festival ist eine Initiative der freien bildenden Kunstszene in Berlin mit einem
gemeinsamen Interesse an gegenseitiger Unterstützung und Sichtbarkeit. Das einmonatige
Programm mit 30 Veranstaltungen bietet einen umfassenden Einblick in die künstlerische und
kuratorische Arbeit selbstorganisierter Räume und feiert Gemeinschaft und öffentlichen Luxus. Die
Veranstaltungen finden an 30 verschiedenen Orten in Berlin statt und sind kostenlos zugänglich.

www.projectspacefestival.berlin

+ONE
Performance night as part of the Projectspacefestival 2026
10th June 2026, 5 – 10 p.m.

With PLUS ONE, Melo Börner invites four performance artists to the Project Space Festival, who in turn have invited four more performance artists. In the Raum für drastische Maßnahmen, the audience can expect an open, experimental, and ever-expanding evening program. The performances take their cue from the exhibition space, which is dedicated to queer existence and punk aesthetics.

There, each of them brings their own stories to life: With a penchant for drama, Elena Louise Bastert Feuerhake moves between video, sound, and costume. Laura Dee Milnes creates short, pointed, and whimsical DIY performances. Caroline Beach creates performances that do not exist at the intersection of anything, but rather aim to practice the creation of meaning through the body and in collaboration with it. Jannis Weu and tender tantrum conjure a liminal being that murmurs suggestive, incomprehensible poems, writhes in contradictory poses, and glides across the boundaries of language and the body. Drawing on everyday observations, Jeiryung Lee and Chi-Hsuan Lo explore, through their respective forms of expression—text and sound—the feeling of “otherness” and what it means to not belong.

Over the course of the evening, a multifaceted, interconnected picture of collective and resistant practice emerges from and between the performances.

With: Caroline Beach, Faye Bowker, Melo Börner, Sini Falte, Elena Louise Bastert Feuerhake, Jeiryung Lee, Chi-Hsuan Lo, Laura Dee Milnes, Nico Sauer, Wesley Schachenmayr, tender tantrum und Jannis Weu.

Conception and coordination: Melo Börner and Hanna Steinert

The Project Space Festival is a collaborative programme involving 30 self-organised spaces. The festival offers insights into current artistic developments in Berlin through a 30-day series of events. A selection of the city’s most exciting project spaces will each host one day of the festival. Visitors are invited to take part in a programme that changes daily across various locations in the city, where exhibitions and performances take place.

The Project Space Festival is an initiative of Berlin’s independent visual arts scene, driven by a shared interest in mutual support and visibility. The month-long programme, comprising 30 events, offers a comprehensive insight into the artistic and curatorial work of self-organised spaces and celebrates community and public luxury. The events take place at 30 different venues across Berlin and are free to attend.

Web developers

Klasse de Vivanco, HGB Leipzig

Eröffnung 8. Mai 2026 ab 19 Uhr
Ausstellung: 9. – 30. Mai 2026

Mit:

Anastasia Ntonteva
Aura Roig
Ben Pawelzik
Børge Lehmberg
Denis Hahn
Elisabeth Bandur
Emma Resch
Gustav Körnig
Ida Lovis Hüsing
Julia Stawiarczyk
Maria Bayer
Maria Kobel
Maria Wagner
Mariella Kerscher
Mascha Schultz
Noeul Kim
Oded Yones
Paul Weiher
Sofiko Mchedlishvili
Tony Bartos
Victor Stinglhamber
William Liebelt

Ich&Ich&Ich oder Wir? In der Ausstellung „Web Developers“ setzen wir uns mit dem Verhältnis von Individuum und Kollektiv auseinander. Indem wir unsere individuellen Arbeiten zu einer gemeinsamen verweben und collagieren, möchten wir über kollektive Repräsentation in einer Gesellschaft der Individuen nachdenken und diese als künstlerische Praxis und Bildexperiment etablieren. Wir wollen Netze imaginieren und eine kollaborative Praxis umarmen, in der Großzügigkeit uns leitet und Zusammenarbeit uns stärker macht.

Wir nehmen unser eigenes Material als Ausgangspunkt, zerschneiden es, um daraus etwas Gemeinsames zu schaffen. Damit stellen wir individualistische Repräsentationslogiken infrage, die auch in Ausstellungskontexten der bildenden Kunst sehr oft vorherrschen. Liegt im Kollektiven ein Moment der Selbstaufgabe oder der Affirmation?

Und wie wird aus einer Vielzahl von Einzelpositionen eine gemeinsame? Wie webt man etwas zusammen, ohne sich als Individuum auszulöschen, sondern vielmehr stärker zu werden in der Gemeinschaft – stärker gerade, weil die anderen da sind? Kann ein kollektives Werk wie ein Protest funktionieren? Diese Fragen werden uns im Prozess der Installation begleiten.

Die Ausstellung wird sowohl die gewebte Installation als auch eine freie Collage aus Ausschnitten unserer Arbeiten umfassen.

Web developers

Class de Vivanco, HGB Leipzig

Opening: May 8th 2026, starts 7 p.m.
Exhibition: May 9th – 30th 2026

With:

Anastasia Ntonteva
Aura Roig
Ben Pawelzik
Børge Lehmberg
Denis Hahn
Elisabeth Bandur
Emma Resch
Gustav Körnig
Ida Lovis Hüsing
Julia Stawiarczyk
Maria Bayer
Maria Kobel
Maria Wagner
Mariella Kerscher
Mascha Schultz
Noeul Kim
Oded Yones
Paul Weiher
Sofiko Mchedlishvili
Tony Bartos
Victor Stinglhamber
William Liebelt

Me, Me, Me, or Us? In the exhibition “Web Developers,” we explore the relationship between the individual and the collective. By weaving and collaging our individual works into a shared whole, we aim to reflect on collective representation in a society of individuals and establish this as an artistic practice and visual experiment. We want to imagine networks and embrace a collaborative practice in which generosity guides us and cooperation makes us stronger.

We take our own material as a starting point, cutting it up to create something shared. In doing so, we challenge individualistic logics of representation that are all too often prevalent even in exhibition contexts within the visual arts. Does the collective contain a moment of self-surrender or of affirmation?

And how does a multitude of individual positions become a shared one? How does one weave something together without erasing oneself as an individual, but rather becoming stronger within the community, stronger precisely because the others are there? Can a collective work function like a protest? These questions will guide us throughout the installation process.

The exhibition will include both the woven installation and a free collage of excerpts from our works.

körperliche interventionen
ELS VAN RIEL

22. April 2026, Einlass 19:30 Uhr / Projektion 20 Uhr

Im April laden wir herzlich ein zu den Filmen von Els van Riel.
Die Filme von Els van Riel versuchen nicht, zu erzählen. Im Zentrum stehen Licht, Zeit, Bewegung und die filmische Technik. Els van Riel schaut sie s… chaut genau hin. Aber sie lässt auch das Publikum Teil dieses Prozesses sein. Sie beschreibt ihre Filmpraxis als „radikale Aufmerksamkeit“. Wenn man einem noch so gewöhnlichen Ding genug Zeit schenkt, entdeckt man es neu. Deswegen sind Filme sowohl als geduldige Recherchen als auch als Kreationen zu verstehen. Für Els van Riel gibt die Filmkamera nicht einfach die Realität wieder, sondern sie gestaltet sie mit. So entsteht aus einem weißen, überbelichteten Bild etwas Benennbares, wenn die Filmemacherin langsam die Blende schließt. Oft sind es gerade die Lichtverhältnisse, die unsere Umgebung in einem poetischen,
(a)signifikanten Dasein erscheinen lassen. Els van Riel bewegt sich gerne an dieser Schwelle.

Gästin: Els van Riel

PROGRAMM:
Scratch, 2007, digital, 14 Min. / Musik Chiyoko Szlavnics
Unwritten Page, 2001, 16 mm, 11 Min. / Musik Antoine Beuger
Elliptic, 2025, 16 mm, 30 Min. / Musik Marie-Cécile Reber

Eintritt: Spende

©Els van Riel, Elliptic, 2025, Standbild

corporal interventions
ELS VAN RIEL

April 22th 2026, doors 7:30 p.m. / start 8 p.m.

This April, we warmly invite you to come and see Els van Riel s films.
Els van Riel s films do not attempt to tell a story. The focus is on light, time, movement and cinematic technique. Els van Riel is anobserver; she observes closely. However, she also allows the audience to participate in this process. She describes her filmmaking approach as radical attention . If you give even the most ordinary thing enough time, you rediscover it. This is why films should be
understood as both patient research and creations. For Els van Riel, the film camera does not merely reflect reality; it helps to shape it. Thus, a white, overexposed image becomes definable as the filmmaker slowly closes the aperture. It is often the lighting conditions themselves that cause our surroundings to take on a poetic, (a)significant existence. Els van Riel likes to move along this threshold.

Guest: Els van Riel

PROGRAMME:
Scratch, 2007, digital, 14 mins / music by Chiyoko Szlavnics
Unwritten Page, 2001, 16 mm, 11 mins / music by Antoine Beuger
Elliptic, 2025, 16 mm, 30 mins / music by Marie-Cécile Reber

Entry: Donation

Gefördert durch:

Geplante Obsoleszenz

Ruinen und Fassaden (schwarze madonna & Enya Morricone)

Eröffnung: 28. März 2026 ab 17 Uhr, Punk Performance 20 Uhr

Ausstellung: 29. März bis 6. April 2026

„Ruinen und Fassaden“ arbeiten interdisziplinär. Skulptural, performativ und audiovisuell reagieren sie auf Raum und Umgebung und konfrontieren diese mit einer anarchistischen Sicht auf Mystik und Missstand. Durch die materielle Auseinandersetzung mit obsoleten Medien, sowie Naturmaterialien und aktuellen Technologien entsteht ein Dialog zwischen bürokratischer Absurdität, Konsumversprechen, sowie Hierarchien und der Wunsch diesen zu entfliehen.

Marcel Breitenhuber und Maximilian Reubel reisen eigens für dieses Projekt nach Berlin und tauchen gemeinsam in einen intensiven Arbeitsprozess ein. In der Woche vor der Performance werden sie Tag und Nacht miteinander verbringen und den Raum Schritt für Schritt transformieren.

Tagsüber entsteht eine sich stetig entwickelnde Ausstellung, die Einblicke in ihren künstlerischen Dialog gewährt. Nachts hingegen verlagert sich der Fokus auf den Klang: In konzentrierter Zusammenarbeit entwickeln sie den Sound für die abschließende Performance. So wächst über mehrere Tage hinweg ein vielschichtiges Gesamtkunstwerk, das Raum, Zeit und Zusammenarbeit auf besondere Weise miteinander verbindet.

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Geplante Obsoleszenz

Ruinen und Fassaden (schwarze madonna & Enya Morricone)

Opening March 28th 2026 5 p.m., punk performance starts 8 p.m.

Exhibition: 29. März 29th – April 6th 2026

“Ruinen und Fassaden“ works in an interdisciplinary manner. Sculptural, performative, and audiovisual, it responds to space and surroundings, confronting them with an anarchistic view of mysticism and injustice. Through material engagement with obsolete media, natural materials, and current technologies, a dialogue emerges between bureaucratic absurdity, consumer promises, hierarchies, and the desire to escape them.

Marcel Breitenhuber and Maximilian Reubel are travelling to Berlin specifically for this project and will immerse themselves together in an intensive creative process. In the week leading up to the performance, they will spend day and night together, transforming the space step by step.

During the day, a constantly evolving exhibition takes shape, offering insights into their artistic dialogue. At night, however, the focus shifts to sound: working in close collaboration, they develop the soundtrack for the final performance. Over the course of several days, a multi-layered Gesamtkunstwerk emerges, uniquely intertwining space, time and collaboration.

Attaque(e)r le visible

Körperliche Interventionen

YOSHIKO CHUMA

17. März 2026, Einlass 19:30 Uhr, start der Projektion 20 Uhr

Das Jahresprogramm von Attaque(e)r le visible beginnt mit Filmtanzarbeiten von Yoshiko Chuma.
Yoshiko Chuma ist Tänzerin, Choreografin und Filmemacherin. Sie kam in den 70er Jahren aus Japan in die USA, wo sie zu einer der führenden Persönlichkeiten des modernen Tanzes wurde. 1982 gründete sie in New York City die bis heute aktive Tanzkompanie The School of Hard Knocks. Zwischen 1979 und 1983 drehte sie sieben 16-mm-Filme, in denen ihr Interesse für Tanz und Film aufeinandertrafen. Danach ließ sie dieses Medium hinter sich.

PROGRAMM:

August 27, 1979 – The Girl Can’t Help It, 16 mm/digital, 1979, 18 Min.
Champing at the Bit, 16 mm/digital, 1982, 8 Min.
Splish Splash, 16 mm/digital, 1982, 12 Min.
The School of Hard Knocks (mit Jacob Burckhardt), 16 mm/digital, 1980, 31 Min.

Nach der Projektion gibt es ein Gespräch mit Sarah Möller, Kuratorin, Dramaturgin und Vertreterin der Filme von Yoshiko Chuma.

Weitere Informationen: www.attaqueerlevisible.com

Image Credit: Yoshiko Chuma, Jacob Burckhardt, The School of Hard Knocks, 1980, Standbild

Corporal interventions

YOSHIKO CHUMA

March 17th 2026, doors open 7:30 p.m. / starts 8 p.m.

The annual programme opens with Yoshiko Chuma’s film dance works.
Yoshiko Chuma is a dancer, choreographer and filmmaker. Having come to the USA from Japan in the 1970s, she became one of the leading figures in modern dance. In 1982, she founded the dance company The School of Hard Knocks in New York City. Between 1979 and 1983, she made seven 16 mm films in which she brought together her interests in dance and film. After that, she left this medium behind.

PROGRAMME:

August 27, 1979 –The Girl Can’t Help It, 16 mm/digitised, 1979, 18 mins
Champing at the Bit, 16 mm/digitised, 1982, 8 mins
Splish Splash, 16 mm/digitised, 1982, 12 mins
The School of Hard Knocks (with Jacob Burckhardt), 16 mm/digitised, 1980, 31 mins

After the screening, there will be a discussion with Sarah Möller. (Language: German) Sarah Möller is a curator and dramaturge who represents Yoshiko Chuma’s films.

More Informations: www.attaqueerlevisible.com